10.06.2011 – 18.09.2011
Comisario: Javier Pérez Buján.
Artistas: Guillermo Aymerich–Antón Cabaleiro–Tom Carr–Jorge Castillo–Carmen Chacón–César Galicia-Ángel Garraza-Amaya González Reyes–Elena Mendizábal–Álvaro Negro–Mónica Ortuzar-Eduardo Outeiro-Paco Pestana–Diego Santomé–Belén Uriel–Miguel Vázquez–Mar Vicente
Sala B. Fundación Laxeiro
Después de once años de funcionamiento de la Fundación Laxeiro, y, como fruto del trabajo con artistas de muy diversa índole, a través de procesos de encargo, donaciones y regalos, fuimos construyendo una colección de arte contemporáneo que por primera vez se muestra al público como una unidad, configurando lo que dimos en llamar una cartografía del presente que define de una forma bastante exacta, las líneas de programación de la Fundación Laxeiro desde su constitución hasta ahora.
Los artistas que conforman esta pequeña colección fueron en su mayoría, partícipes en diveresos proyectos expositivos, como el programa de Bolsas a la Creación artística Fundación Laxeiro, como es el caso de Antón Cabaleiro, Amaya González Reyes, Mar Vicente y Belén Uriel, todos ellos muy bien posicionados actualmente en el panorama artístico internacional (Antón Cabaleiro es artista de la Galería Marisa Marimón en Ourense y trabaja en Nueva York, donde reside desde hace cinco años; Amaya González Reyes es habitual en ferias internacionales como artista de la Galería Pilar Parra de Madrid y tiene obra en las colecciones de los principales museos gallegos, Mar Vicente está instalada en Austria y tuvo una exposición individual en la Kunstverein de Kassel en el mes de mayo, además de ser artista de la Galería Trinta de Santiago de Compostela y Belén Uriel expone con regularidad en Lisboa, Madrid y Londres). Guillermo Aymerich, Jorge Castillo, Carmen Chacón, César Galicia, Álvaro Negro, Ángel Garraza y Miguel Vázquez participaron en exposiciones individuales en la Fundación Laxeiro; y Eduardo Outeiro, Elena Mendizábal y Mónica Ortúzar participaron en exposiciones colectivas, todas ellas realizadas en colaboración con la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo; Diego Santomé colaboró en dos encargos de la Fundación para diversos proyectos y las obras de Paco Pestana y Tom Carr fueron, en el primer caso, una adquisición directa de Laxeiro y en el segundo, una donación de la empresa Nationale Suisse, aseguradora de la Colección Permanente y de las exposiciones temporales de la Fundación Laxeiro.
¿POR QUÉ MOSTRAR ESTAS OBRAS EN FORMA DE EXPOSICIÓN?
El interés intrínseco de cada pieza, indiscutible por razones obvias, se confronta en esta exposición en un diálogo múltiple entre todas ellas, tanto morfológica como sintácticamente, en un proyecto no exento de riesgos para cada obra, ya que mostrada como parte de un todo heterogéneo, el discurso de cada artista se relativiza, debiendo ocupar un lugar que posibilite su legibilidad a la vez que potencie a legibilidad de las demás obras.
Por esta razón, el proyecto conforma una cartografía del presente que va trazando un mapa del pensamiento artístico de nuestro tiempo, en este caso, localizado en un territorio, el gallego, con puntuales incursiones de obras de artistas de otras latitudes, como sucede conTom Carr (Cataluña), César Galicia (Madrid), Elena Mendizábal y Mónica Ortúzar (País Vasco) que funcionan de contrapunto geográfico sin solución de continuidad, completando una diversidad de ópticas que encuentran su punto de contacto en la instalación de su pensamiento y su obra en la contemporaneidad desde diversos puntos de partida.
LAS OBRAS Y LOS ARTISTAS
Así César Galicia (Madrid, 1957) construye su obra desde postulados realistas que se inscriben claramente en el contexto de la Escuela de Madrid, con influencias innegables del hiperrealismo norteamericano de finales de los años sesenta y, por extensión y en el caso de la obra incluida en esta exposición (Mickey, 1999), recuperando ciertos recursos del arte pop, actualizado mediante una atmósfera en la que cambia la luminosidad propia de Warhol por una cierta melancolía que lo acercan más a autores como Rauschenberg.
Elena Mendizábal (San Sebastián, 1960) se inscribe dentro de lo que en los años ochenta se llamó Nueva escultura Vasca, integrada por un grupo de artistas que, a partir de la revisión de la obra escultórica yh teórica de Jorge Oteiza, actualizan la escultura vasca, consigiendo una interesante hibridación entre el léxico tradicional y los nuevos lenguajes internacionales. Las piezas de Elena Mendizábal de la Colección de la Fundación Laxeiro, tituladas respectivamente 4 y 5, ambas de 2010, suponen una vuelta de tuerca en esa dirección, cambiando los grandes formatos y la rotundidad de los materiales, por escalas muy reducidas y materiales cotidianos y prosaicos que, mediante el ensamblaje, conforman nuevas metafísicas en el sentido de abrir nuevos caminos para la fisicidad de una escultura que nace de la brutalidad (formal y de escala) para evolucionar hacia la delicadeza.
Mónica Ortuzar (Bilbao, 1964) se mueve en los límites de lo que se entiende como arte en su sentido más institucionalizado, consciente de que es un concepto cambiante como la Historia viene demostrando. En esta ocasión Mónica juega con este cambio semántico realizando un pequeño dibujo en el que recrea los petroglifos de la Playa de Mogor (Marín, Pontevedra), provocando un bucle conepctual a partir del que nos invita a reflexionar sobre el concepto de arte, en la confrontación de una obra prehistórica cuya función desconocemos, y su representación en un contexto artístico contemporáneo, realizada sin embargo, con la técnica tradicional de la copia del natural.
Ángel Garraza (Allo, Navarra, 1950) y Miguel Vázquez (Vigo, 1956) son actualmente dos de las figuras más representativas de la escultura cerámica española y gozan de una considerable proyección internacional.
Ellos protagonizaron en 2001 la exposición titulada Diálogos. Una muestra en la que se integraban dos exposiciones individuales en un mismo espacio, conjugando así la pureza formal del lenguaje abstracto del navarro con la figuración vírica y contaminada por otros materiales, característica de la obra del gallego.
Tom Carr (Tarragona, 1956) participa con un grabado de 1998, realizado en Barcelona. A pesar de su preocupación por los equilibrios inestables y las geometrías imposibles, trabajadas por él, sobre todo en su obra escultórica, Fluvii Alveus, algo así como río ramificado, se sumerge en una abstracción orgánica, muy próxima al expresionismo abstracto norteamericano que el autor conoce muy bien, debido a su estrecha relación con Estados Unidos, donde vivió largos períodos. En su obra escultórica existe una preocupación por las formas simples y sus infinitas posibilidades de combinación, proponiendo composiciones con un claro componente lúdico que, por momentos la acerca al norteamericano Alexander Calder. Esta preocupación por las formas simples está presente también en el grabado incluido en la exposición, en el que el círculo es el elemento a partir del que se organiza todo el espacio pictórico, en este caso, con una geometría orgánica que, sin embargo, deja patente su interés por la matemática en una organización reticular de nueve celdas que el autor numera del uno al nueve, integrando dos mundos aparentemente opuestos, como son el pensamieneto analítico y el pensamiento intuitivo. Precisión y azar se dan la m ano en una obra que parece querer hablarnos de los múltiples caminos del pensamiento y la posibilidad de su conciliación.
Carmen Chacón (A Coruña, 1964) aborda la pintura desde una posición de apertura de sus propios límites, participando con una pieza (Sen título. 2001) que es una pintura realizada con técnica mixta y de medidas variables, ya que se compone de tres elementos que se pueden colgar de forma diversa en cada ocasión. La artista invita a reflexionar sobre los límites de la pintura y, en esta ocasión, se acerca a la escultura al destacar el aspecto objetual del cuadro, difuminando los límites entre las dos dimensiones y las tres dimensiones y, por tanto, entre la pintura y la escultura.
En esta idea de expansión del concepto pictórico, pero desde otra óptica, trabaja Mar Vicente (Valadouro, Lugo, 1979), ganadora de la Bolsa Fundación Laxeiro á creación artística en su edición 2006 con el proyecto titulado Reflexo de superficies, programado na Fundación Laxeiro en 2007. La obra titulada Cajón habla también de las posibilidades de expansión de la pintura, en este caso, con un objeto indiscutiblemente escultórico que, sin embargo funciona como un cuadro de cinco caras, cada una, de un color diferente, como cinco superficies pictóricas en las que el color (la pintura, la luz, el reflejo) va conformando los límites físicos del objeto tridimensional mediante soluciones pictóricas, muy en la línea del minimalismo de los años sesenta, repesentado por artistas como Dan Flavin, Donald Judd o Sol LeWit de los que la influencia en la obra de Mar es evidente y, de una forma intencional la artista deja ver esas influencias como una propuesta de revisión de los halladgos de ese movimiento.
Álvaro Negro (Lalín, Pontevedra, 1973) es un creador que también se mueve en esos límtes de lo que se entiende por pictórico, que él entiende como una forma de mirar y, por tanto, extiende la idea de pintura a la fotografía y al audiovisual.
Su pieza Monumento a la arquitectura utópica incide precisamente en el hecho de la observación del mundo convertido en imagen y, por tanto, en la representación acotada del paisaje, característica de la tradición pictórica. Negro reflexiona así sobre la fenomenología de la construcción de imágenes y de la observación de las mismas, proponiendo nuevas relaciones entre el espectador y la obra.
El paisaje, trabajado, esta vez desde una posición de crítica social y política, es el argumento de la obra titulada Full view 3 de la artista Belén Uriel (Madrid, 1974). Una fotografía que formó parte de su proyecto del mismo títuo que fue ganador de las Bolsas Fundación Laxeiro á creación artística en 2007 y que se exibió en la sede da Fundación en 2008. Full View consistía en una instalación en la que la artista fotografiaba una urbanización abandonada a medio construir, convertida por Belén en un reclamo publicitario mediante la instalación de una valla publicitaria en el espacio público que luego trasladó al espacio expositivo y acompañó de tres fotografías más, a modo de fotografía paisajísitica.
Belén relacionó el género paisajístico de la tradición pictórica con el lenguaje publicitario y xugó en todo momento con los conceptos público/privado y ficción/realidad, componiendo un trabajo en el que ponía el acento en la denuncia de la construcción inmobiliaria especulativa, al tiempo que incidía en aspectos de la comunicación estética-publicitaria, visual-varbal.
La ambigüedad comunicativa, es también el punto de partida de la obra Sen titulo de la artista Amaya González Reyes (Sanxenxo, Pontevedra, 1979) cuyo proyecto, titulado En efectivo, también fue ganador de las Bolsas Fundación Laxeiro, en este caso, en su edición 2005.
Amaya juega en esta pieza (y en el proyecto expositivo) a realizar obra con el dinero de la cuantía económica con la que estaba dotada la bolsa de la Fundación Laxeiro y así, realiza una serie de fotografías, siguiendo las coordenadas compositivas de géneros clásicos como el bodegón y (en esta obra en concreto) el paisaje, introduciendo el concepto de xuego de lenguaje que para la artista supone el significado que le damos al dinero como signo de riqueza o, más concretamente, la función que le damos al papel moneda como significante de la riqueza que representa. La obra inclasificable de Paco Pestana (Lugo, 1949) también tiene cabida en esta exposición en virtud de una compra que Laxerio le hizo cuando Pestana era un escultor joven que comenzaba a irrumpir en el panorama artístico. La compleja obra del escultor está representada en esta exposición por una pieza que muy bien podríamos clasificar como una especie de agro pop en el que se mezcla la talla tradicional con el ensamblaje de elementos de diversa procedencia. El peculiar mundo imaginativo de Paco Pestana tiene ciertas coincidencias con la iconografía laxeiriana, en ese torrente imaginativo a partir del que produce una obra rica en significados y de un evidente sincretismo en el que la cultura tradicional y los elementos de la cultura de masas conforman un imaginario muy representativo de la mezcla de referencias icónicas tan características de la Galicia de nuestro tiempo.
El artista multidisciplinar Diego Santomé (Vigo, 1966) en su obra titulada Manuel Rodeiro (un encargo que la Fundación Laxerio le hizo con el objeto de documentar un festival sobre dicho compositor, organizado por la Fundación) se adentra en esta ocasión en el lenguaje del cine documental, utilizando los estilemas que son ya constantes enh su obra audiovisual, como la simplicidad de los medios utilizados, que el artista traduce en una austeridad formal mediante la que compone una especie de tableau vivant de personajes en claroscuro, con claras reminiscencias de la pintura barroca, presentados en un tempo ralentizado, que inevitablemente nos remite también a creadores audiovisuales como Bill Viola. Santomé integra de forma magistral la cadencia rítmica intrínseca de la música que se está interpretando en directo, en la sencuenciación de las imágenes, resultando paradigmático el espectacular comienzo del film, en el que la imagen y la escuridad sesincronizan en virtud de las notas y los silencios de una pieza para piano de Gyorgy Ligeti, interpretada por el pianista indonesio Ananda Sukarlan, uno de los músicos participantes en dicho festival.
Antón Cabaleiro (Santiago de Compostela, 1977) nos ofrece la otra obra audiovisual de la exposición. En este caso en forma de proyección monocanal que, con el título Polaris formó parte de su proyecto ganador de las Bolsas Fundación Laxeiro en su edición 2004 y que se mostró, bajo el título Coexistencias pacíficas en la tempada 2005.
Polaris es una sencilla animación realizada con un programa de transición de imágenes que nos habla de la imposición de corsés sociales (en este caso, de medidas corporales estandarizadas como canon de belleza) y muestran a individuos desubicados, situados sobre un fondo blanco (un no lugar simbólico) intentando adaptar sus cuerpos a unas coordenadas espaciales cambiantes, impuestas desde fuera, que ellos sufren como víctimas de la alienación provocada por el mercado y la moda, en sus vidas cotidianas. Cabaleiro sigue trabajando en la producción de videos cortos y sencillos, madurando su lenguaje que se caracteriza por una hibridación de retóricas, muy próximas a la publicidad y la animación televisiva.
Eduardo Outeiro (A Coruña, 1981) se acerva a la escultura desde una posición experiencial en la que la historia de los materiales y objetos que utiliza tiene una importancia decisiva en el resultado final. De este modo, la obra que se incluye en esta exposición Palé restaurado no es otra cosa que un palé de los que se utilizan para el movimiento y almacenaje de mercancías, que el artista restaó como si fuera una antigüedad para, posteriormente, instalarlo en una peana convencional para esculturas.
Con esta acción, un vulgar palé encontrado en la calle en malas condiciones se transforma en una delicada obra de arte sin apenas cambiar su aspecto formal y visual. Es solo mediante el sentido del tacto cuando nos damos cuenta de la delicadeza de la pieza y de lo lejos que se encuentra ya de su función primera (la utilitaria), instalado ya en una nueva función dada por el artista ( la estética).
Guillermo Aymerich(Santiago de Compostela, 1964) viene desenvolviendo un trabajo en el que los dos elementos defintorios son el viaje y la hibridación, conceptual, procesual y formal. Aymerich se desplaza po el mundo (Dublín, Sao Paulo, Vigo, Valencia, Nueva York, Ulan Bator, Pekín…) y, en cada estancia, produce obra en la que la condición de viajero impregna la gramática de cada una de sus producciones, reinventándose continuamente en cada trabajo mediante la utilización de técnicas diversas y lenguajes diversos también. Aymerich relaciona vivencias y procesos para tejer un discurso polisémico que, en la obra que incluimos en esta exposición, Diosa del firmamento: nueva lluvia, de 2007, (perteneciente a la serie titulada La diosa triple, un nombre que, como el propio artista afirma, Robert Graves utilizó para denomiar a las musas) utiliza una potente carga simbólica y cultural, presentada sin embargo con una factura ligera, aparentemente con pocos elementos, pero, en una lectura más atenta, cargada de complejidad. Aymerich nos ofrece una obra de técnica mixta que adquiere sentido a partir de su estructura procesual y compositiva, más allá del aspecto formal.
Jorge Castillo (Pontevedra, 1933) es l decano de esta exposición. Su participación en la programación de la Fundación Laxeiro se materializó en una estupenda muestra, programada en 2004 en la que se vinculaba su trabajo con su relación persoal con Laxeiro y recuparaba para el arte la obra de uno de nuestros artistas máis internacionais, silenciada nos anos noventa por razzones diversas. Juana y Juan, la pieza que incluimos en la exposición, es un perfecto ejemplo de ese mundo misterioso, onírico y existencial del pintor pontevedrés, en el que descentra de forma inquietante los personajes en la composición del cuadro y los presenta mirando al espectador, como atrapados en un mundo especular desde el que rompen, con su mirada, esa imaginaria cuarta pared que normalmente separa al espectador de la escena representada, y establecen así, con esta transgresión de la mirada, una relación, un diálogo a partir del que construyen su propia razón de ser, como exponentes de un mundo alternativo que parece estar, sin embargo, en el inconsciente de todos nosotros.
EL SENTIDO DE LA COLECCIÓN
El hecho de reunir por primera vez en una exposición un conjunto tan heterogéneo de obras, además del interés evidente para el disfrute etético de la muestra, lleva un componente añadido que tiene que ver cocn la trayectoria de la propia Fundación Laxeiro y su criterio programático en estos once años de trabajo, en esa línea de programación que, además de incidir sobre la obra de Laxeiro y sus contemporáneos, viene insistiendo en la difusión de los artistqas de nuestro tiempo. Una línea de programación que está marcada por el apoyo a los artistas gallegos (o que desarrollan su trabajo en Galicia) más jóvenes, mediante las Bolsas a la creación artística y diversas colaboraciones con la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra y colaboraciones puntuales con otros creadores que, por razones diversas, llamaron la atención de la fundación Laxeiro.
De esta forma, se va articulando un relato a lo largo del tiempo que, desde la parcialidad que toda colección conlleva, ofrece una visión de diferentes problemáticas vigentes en el arte contemporáneo, como son:
La hibridación de técnicas y lenguajes (Guillermo Aymerich, Miguel Vázquez, Tom Carr)
La relación de la creación artística con el hecho social (Antón Cabaleiro, Belén Uriel)
La revisión del concepto tradicional de pintura (Mar Vicente, Álvaro Negro, Carmen Chacón)
La actualización de géneros clásicos (Amaya González Reyes, Álvaro Negro, Belén Uriel)
El rescate de autores que han sido decisivos en el desarrollo del arte gallego (Jorge Castillo)
La utilización de técnicas tradicionales para realizar obra contemporánea
(Ángel Garraza, Mónica Ortúzar, Miguel Vázquez, Tom Carr)
La utilización de retóricas de la cultura popular
(Paco Pestana, Diego Santomé, César Galicia, Antón Cabaleiro, Belén Uriel)
La herencia del arte conceptual que subyace en obras objetuales
(Amaya González Reyes, Eduardo Outeiro, Belén Uriel, Álvaro Negro)
La utilización do ensamblaxe e de materiais de procedencia industrial
(Guillermo Aymerich, Elena Mendizábal, Miguel Vázquez, Eduardo Outeiro)
El proyecto, por tanto, es también una confrontación de los criterios programáticos de la Fudnación Laxeiro, tanto con el público, como con el mundo del arte. Un gesto de afirmación de una línea seguida en estos años que dota de sentido a la colección en su conjunto, al tiempo que brinda elementos susceptibles de reeflexión crítica y traza el camino a seguir en los años venideros.
EL CATÁLOGO
Completando este proyecto, la Fundación Laxeiro editará una publicación en la que, además de catalogar todas las obras, se incluyen textos comentando cada una de ellas, firmados por diversos autores, como Guillermo Aymerich, David Barro, Vanesa Díaz, Pablo Giménez, Emilia Guimeráns, Juan Fernando de Laiglesia, Elena Mendizábal, Eva Mendoza, Marcela Santorum, Elena Vozmediano y Ángel C. Ulloa, quienes, a veces ex profeso y otras, en forma de extracto de textos ya publicados, reflexionan sobre la obra de cada uno de los artistas. La publicación está además prologada por Javier Pérez Buján, Director artístico de la Fundación Laxeiro y comisario de la muestra, quien contextualiza y justifica el porqué de la colección y de la exposición que documenta la publicación.
ENLACES: Además de consultar en la sección «qué hacemos/exposiciones/ver anteriores» de esta página web, facilitamos diversos enlaces donde ampliar información sobre los artistas
Belén Uriel: http://www.elena.vozmediano.info/2008/05/beln-uriel-full-view.html.
Antón Cabaleiro: http://www.antoncabaleiro.com
Mar Vicente: http://www.marvicente.es
Amaya G. Reyes: www.parra-romero.com/artistas/amayagonzalez.html
Diego Santomé: www.parra-romero.com/exposiciones/santome_09.html
Álvaro Negro: /www.alvaronegro.com
Guillermo Aymerich: /www.guillermoaymerich.com
Miguel Vázquez: /www.miguelvazquez.com
Ángel Garraza: www.angelgarraza.com
César Galicia: www.cesargalicia.com
Tom Carr: http://web.mac.com/tomcarr1/tom_carr/Tom_Carr.html
Paco Pestana: http://pacopestana.blogspot.com
Carmen Chacón: http://www.galegos.info/carmen-chacon
www.arteinformado.com/Artistas/4036/carmen-chacon
Eduardo Outeiro: http://www.arquitecturadiaria.com/tag/eduardo-outeiro
Elena Mendizábal, Mónica Ortúzar: http://www.laxeiro.es
Jorge Castillo: http://es.wikipedia.org/wiki/Jorge_del_Castillo
